3 patas que sostienen al mundo

Shanira R. Alguero De La Rosa
Estudiante Diseño Industrial, Escuela de Arquitectura y Diseño de América Latina y el Caribe, Isthmus, Panamá.

shaniraalguero@hotmail.com

Introducción

Las sillas existen desde el inicio de los tiempos. Todo empezó con una piedra o un tronco, donde las personas descansaban, este proceso derivó en un sinnúmero de opciones: otómanas, chaise lounge, taburetes, sillones, sillas, sofás, etc. Por su parte, el número tres es un símbolo lleno de misticismo, relacionados con la naturaleza y el Ser Supremo. Con esta investigación pretendo indagar acerca de la evolución de las sillas de tres patas; muy peculiares, poco estudiadas y no muy comunes. Estas relaciones se pueden encontrar a través de los siglos, las cuales veremos a través del texto.

Las sillas desde la antigüedad hasta el siglo XIX

Algunas de las sillas de tres patas fueron una evolución de los taburetes. Las primeras referencias son taburetes de asientos redondos pompeyanos del siglo VII a.C. y el siglo I-II d.C., de bronce y piedra tallada respectivamente. Desde este punto se observa una simplificación temprana en los adornos, por ejemplo: el taburete de bronce contiene muchos y el de piedra carece de ellos; ambos comparten patas con extremidades de animales. Un ejemplo de la evolución antes mencionada es la silla italiana Sgabello de 1489, el asiento es hexagonal con respaldo angosto coronado con un círculo de madera con restos de dorado y pintura.

Fotos 1,2,3.









En Alemania, en el Palacio de Berlín encontramos una silla románica del siglo XIII d.C. que comparte similitudes con la Silla Harvard del siglo XVII en Estados Unidos. Ambos sillas son triangulares, estructuras de madera torneada, en el respaldo tienen decoraciones en diagonal, las patas están unidas entre sí por un triángulo. A pesar de estar separadas por un lapso de 500 años de fabricación, estas sillas presentan similitudes y diferencias, una de estas últimas es que la románica tiene elementos planos y en la estadounidense todos los elementos aparecen torneados, tiene además un cojín atado con lazos a las tres patas. FOTO 4,5.

En 1866, Michael Thonet diseña una silla alta de tres patas (que ilustra el encabezado de este artículo). Del asiento redondo salen tres barras de madera curvadas que se unen a media distancia del piso y vuelven a separarse, no tiene respaldo sino un bastón curvado que es la continuación de una de las patas. En 1991, Philippe Starck diseña una silla para su amigo y director cinematográfico Wim Wenders, la forma amorfa del asiento que se reduce en la parte inferior de la cual salen tres patas con diferentes curvaturas buscando abarcar mayor área para una mejor estabilidad, también tiene un elemento curvo en la parte superior en forma de bastón y un reposapiés . Ambas sillas tienen una función adicional: sirven de bastón.

FOTO 6,7.




Sillas de tres patas del siglo XX

La silla hormiga o “Ant Chair” de Arne Jacobsen se creó originalmente con tres patas y, “aunque le presionaron para que diseñara una versión de la Ant de cuatro patas, Jacobsen nunca accedió. Esta variante se introdujo solo después de su muerte”. Y es que la intención del concepto de esta silla cambia totalmente al agregarle una cuarta pata, se pierde la hormiga y la tensión visual en expectativa de que empiece a caminar.

Foto 8,9.









Se podría pensar que con una pata menos la silla empieza a vivir, a humanizarse, pierde su aspecto rígido y se hace más juguetona. Hans J. Wegner decidió quitarle uno de los puntos de apoyo, a su silla Valet, para hacerla más ligera, ya que la consideraba pesada visualmente. Quitar una pata, se escribe en tres palabras y se pronuncia en pocos segundos, pero tomar esa decisión no debe ser fácil y Wegner lo comprueba, porque le tomo 29 años hacer este cambio. En 1953 diseño la silla Valet que salió al mercado, y como no estaba satisfecho con el resultado siguió trabajándola y en 1983 la empresa PP MØbler empieza la fabricación de la nueva versión.

Foto 10.



Las patas de estas sillas salen desde la base del asiento abriéndose para ocupar un área mayor a éste, antes de doblarse se ven inclinadas hacia el exterior. Las sillas de cuatro patas son muy estables sin importar los desniveles del suelo, pero al quitarle una se necesita recuperar esa área de apoyo perdido, ésto se soluciona generalmente con la inclinación mayor de una de las tres patas, en comparación de las dos restantes cuyos ángulos de inclinación son menores y esta pata se ubica, casi siempre, en la parte trasera de la silla. Por eso las sillas cuyas patas salen de un eje central son muy escasas y hasta raras.

Foto 11.



Los materiales utilizados hasta los sesenta eran maderas macizas o curvadas e intermitentemente se encuentran patas de metal (aluminio, acero cromado). A partir de 1980, todas las patas son metálicas y el cuerpo de las sillas ejemplifica la variedad de opciones de materiales de la época contemporánea, con sus innovaciones científicas y técnicas ofrece: cuero con una capa de poliamida, espuma de poliuretano, hojas de policarbonato, cuerdas de algodón, permitiendo así nuevas formas libres y orgánicas.

Foto 12.




Geometría y el número 3

La palabra tres se deriva del latín “Trinum” o “Tiubium”, es el primer número impar que resulta de la unión de tres unidades: 1 y 2, la unidad y el primer número par. La aritmética, a través de cálculos y operaciones permite combinaciones y resul¬tados numéricos demostrando la perfección de este número por medio de las siguientes multiplicaciones: 3 x 3 = 9; nueve por tres igual a veintisiete; 27 x 3 = 81; y sumado el ocho y el uno, es igual a nueve; 9 ÷ 3 =3, o sea la cantidad inicial y base de la operación; y así sucesivamente existen una serie de combinaciones por las que jamás se pierde el valor del número tres.

La forma no es más que fuerzas en equilibrio actuando en la materia, (…) es una estructura espacial con propiedades físicas que influencian y permiten que la forma exista . En el espacio, tres puntos definen un triángulo, contiene tres ángulos: recto, agudo y obtuso; existen tres clases de triángulos: equilátero, isósceles y escaleno y está limitado por medio de tres líneas: dos catetos y una hipotenusa.

El tetraedro es el mínimo módulo energético tridimensional; en el espacio bidimensional su análogo sería el triángulo porque al unir dos líneas rectas sólo se tiene un ángulo y al unir tres líneas se tendría un triángulo, la mínima conformación bidimensional. La trigonometría o la ciencia del triángulo establecen que toda superficie es reducible a triángulos. Veamos algunos ejemplos: las diagonales de un cuadrado, el arco de una circunferencia, en un cono la sección de un plano que pasa por el vértice, en perspectiva se proyectan líneas del punto de fuga hasta el objeto, todas dando como resultado triángulos. En perspectiva también se utilizan tres puntos de fuga para representar la tercera dimensión existente en todos los cuerpos: la profundidad.

Solo se necesitan tres puntos de apoyo para mantener el equilibrio y sostener un objeto en el espacio; por ejemplo, el trípode para cámaras, bastidores para cuadros, triciclos para niños con poco control del equilibrio.

El triángulo en la historia del mundo

El triángulo es la forma que conforma las caras de los poliedros regulares y que permiten crear formas y estructuras estables y equilibras. Richard Buckminster Fuller creó los domos o cúpulas geodésicas que son cuerpos hemisféricos formados por triángulos cuyos vértices tocan la circunferencia de una esfera imaginaria. Esta forma está basada en la Geometría Sagrada y se considera una estructura perfecta de la naturaleza.

Las pirámides egipcias tienen la función de contener la «esencia» del Rey por toda la eternidad. Hay zonas terrestres que se consideran zonas de actividades inusuales: el triángulo de las Bermudas, triángulo del Dragón en Japón, Vértice Marysburgh ubicado en E.U. y Canadá.

Simbología del número 3

Desde tiempos remotos el número 3 ha tenido un sinnúmero de significados en todas las áreas de la cotidianeidad del hombre: simbología, filosofía, religión, ciencia, naturaleza, etc. Se le ha atribuido virtudes místicas, asegurando que es la base de los signos de la perfección, la imagen del Ser Supremo. Así tenemos a la Divina Trinidad, el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo en la religión Católica y en las diferentes mitologías antiguas, también se conocen trinidades; la Unidad del Hombre en su personalidad material, espiritual e intelectual en la filosofía de Platón.

Aristóteles dijo: “Lo corpóreo no tiene, fuera del número tres, ninguna otra magnitud; todo se determina por medio de la Trinidad, pues el principio, el medio y el fin son el número del todo, que es el número tres. De Coelo I, 1” .
Se puede decir que es el número de la perfecta armonía, de la conservación, del progreso entre todos los seres y las cosas.

En la mitología antigua este número fue considerado el símbolo predilecto, entre los druidas, los esenios, los asirios, los caldeos, los egipcios, los griegos, los romanos, los judíos; y más tarde en la India, la China y en todos los países civilizados conocidos, el número tres fue muy venerado, circunstancia por la cual en la Edad Media, siempre se le considero como un “signo favorito”, atribuido al Ser Supremo.

En muchas épocas o edades, razas, culturas, en los pueblos civilizados o semi-civilizados la teoría de los números ha ejercido una gran influencia en la vida real del hombre, a través de la superstición, los mitos, del poder cabalístico reflejado en las costumbres, creencias, ordenamientos de la conciencia humana que buscan una repuesta a los acontecimientos naturales y en los que la filosofía, la ciencia, la religión se basan para generar posibles respuestas.

A continuación se enlistan ejemplos de trinidades con las cuales convivimos a diario o que han sido elementos importantes en la historia del hombre: el tiempo se divide en presente, pasado y futuro; el hombre está dotado de cuerpo, alma y espíritu; la regla de tres es una técnica importante de la aritmética; la física determina tres estados de la materia: sólido, líquido y gaseoso; tres son los colores primarios: el amarillo, el azul y el rojo; los biólogos han dividido a todos los seres y las cosas en tres reinos: el animal, el vegetal y el mineral; en la música se distinguen tres sonidos: el agudo, el medio y el grave; la oración consta de tres partes: sujeto, verbo y predicado; durante los sepelios se acostumbra verter tres paladas o puñados de tierra, antes de cubrir totalmente los sepulcros; Cesar y su célebre frase “VINI VIDI VINCI”; el Arca de Noe tenía tres pisos; para que pudiera alojar tres especies de cada uno de los animales que habitaban el mundo en aquella época; en el mundo existieron tres grandes fundadores de religiones: Moisés, Jesús y Mahoma; tres fueron los magos que vinieron a adorar al niño Jesús cuando nació: Melchor, Gaspar y Baltasar mismos que también le hicieron tres regalos: oro, incienso y mirra; Pedro negó tres veces a su maestro, se erigieron tres cruces en el cerro del Calvario; Jesús murió a las tres de la tarde y resucitó al tercer día, a la edad de 33 años.

Vemos que el tres y el triángulo están rodeados de supersticiones y mitos, igualmente son signos de la perfección en la tierra y se relacionan con el Ser Supremo. Pareciera que todo diseñador que se jacte de ser alguien importante tiene el deber de crear una silla de tres patas para consagrar su carrera o tener una pieza “Perfecta”, tener un elemento cargado de simbolismo espiritual o misticismo. Muchos diseñadores; por ejemplo: Michael Thonet, Antoni Gaudí, Alvar Aalto, Ego Eiermann, Arne Jacobsen , Poul Kjaerholm, Hans J. Wegner, A. y P.G. Castiglioni, J.H. Pollard, Philippe Starck, Hermanos Campana, Emiliano Godoy; han eliminado una de las patas para hacer más ligera la silla a la vista, pero no es muy común este tipo de base porque se pierde punto de apoyo que debe ser recompensado con materiales más fuertes o patas más largas y curvadas donde distribuir las cargas del peso que se le aplica. FOTO 13.

Cabe destacar la falta de mobiliario famoso de tres puntos de apoyo en los trabajos de los miembros de la Bauhaus, cuya estética se basaba en la geometría; puntualmente en el triángulo, la esfera y el cubo. ¿Podría decirse que al trabajar constantemente con estas figuras las conocieron mejor y se deslindaron de esta simbología?




Referencias

Revista Domus, Tomo III, Taschen, 1950-1954.

CHARLOTTE & PETER FIELL, Scandinavian Design, Taschen, 2005.
HERMANN SCHMITZ, Historia del mueble, Barcelona, Gustavo Gili, 1966.
JOSEPH ARONSON, The enciclopedia of furniture, New York (Estados Unidos), Clarkson Potter, 3°ed., 1965.
MEL BYARS, The best tables, chairs and lights, Suiza, Rotovision, 2005.
MORTEO ENRICO, Diseño desde 1850 hasta la actualidad, Barcelona, Electa, 2009.
PATRICIA BUENO, Sillas Sillas Sillas, España, Atrium, 2003.

http://www.bdbarcelona.com/es/productos/art/taburete-escultura_calvet.php http://www.wildespieth.com/dreibeinstuhl.html
http://en.bulo.com/loveyouroffice/coll_carteb_easyrider.php
http://www.metmuseum.org/works_of_art/collection_database/european_sculpture_and_decorative_arts/chair_sgabello_workshop_of_giuliano_da_maiano_1432_1490_and_benedetto/objectview.aspx?page=1018&sort=0&sortdir=asc&keyword=&fp=1&dd1=12&dd2=0&vw=1&collID=12&oID=120011441&vT=1&hi=0&ov=0
http://www.fritzhansen.com/en/fritz-hansen/products.aspx#/chairs?i=i
http://www.moma.org/
http://www.pp.dk/index.php?page=collection&cat=1&id=31
http://centauro996.wordpress.com/el-numero-tres-su-significado-en-las-ciencias-en-la-naturaleza-en-las-religiones-y-en-la-masoneria/
http://temi.repubblica.it/casa/2008/04/02/nasce-damestock/
http://www.gluv.org/Trabajos%20y%20Trazados%20Masonicos/Trazados%20de%20Otras%20Logias/El%20Simbolismo%20del%20Numero%203.htm
http://www.genesisgeodesica.com.ar/index.php?option=com_content&view=article&id=49&Itemid=2
http://www.vitra.com/es-lp/home/products/w.-w.-stool/gallery/

Nintendo: Diseño y entretenimiento desde 1889

Damián Nieszawski
Estudiante de Diseño Industrial, de la Escuela de Arquitectura y Diseño Isthmus de América Latina y el Caribe

huesudo66@hotmail.com

Intro

Nintendo es una empresa que por más de 23 años ha revolucionado la industria de los videojuegos llevando a sus usuarios nuevas experiencias de juego con cada nuevo lanzamiento de consola. La empresa fue creada en septiembre de 1889, y desde entonces sus diseños han figurado entre las mejores videoconsolas de la historia.
Por años, los videojuegos han entretenido a sus usuarios mediante juegos electrónicos, siendo la primera consola en salir al mercado, la legendaria “Magnavox Odyssey” a finales del 1972. Esta empresa ha producido desde Donkey Kong, hasta Mario, pasando por el Nintendo Enterteiment System (NES) y el Wii. Nintendo revolucionó la industria e incluso hoy sigue batallando en ella, brindando nuevas experiencias para jugar.

Es difícil imaginarnos, ¿qué sería de la industria de los videojuegos en casa si no fuera por Nintendo?

Principios del Nintendo Enterteiment System (NES)

Fue el NES quien logro posicionar a la marca como líder en el mercado. En sus inicios, se le conocía como Family Computer , y fue lanzada al mercado únicamente en Japón, en el año 1983 teniendo un precio de 14800 Yens , en los primeros meses se presentó una falla técnico en la Famicom, daño que se produjo por la ubicación deficiente del circuito integrado, lo cual causaba que la consola no funcionara y se detuviese la imagen en cuanto se ejecutaba el software. Después de solucionarse el desperfecto en la placa , Famicom volvió al mercado y esta vez arrasó con él, superando a su competidor, el Sega SG-1000 y posicionándose como el sistema más vendido en Japón para finales de 1984. Hasta entonces, Nintendo había vendido más de dos millones y medio de Famicoms en territorio japonés (se vendió únicamente en Japón).

Tras el éxito de la Family Computer, los japoneses fijaron su atención en el público norteamericano, y trataron que la empresa Atari , distribuyera su nuevo “Nintendo Advance Video System”, y pese a su avanzada tecnología, este acuerdo no llego a materializarse.

En 1985 Nintendo dio a conocer una nueva propuesta denominada Nintendo Entertainment System (NES), que mantenía algunos valores estéticos presentados en el Nintendo Advance Video System. Esta vez, la empresa optó por presentar un “sistema de entretenimiento”, en lugar de una “consola”. El paquete estaba compuesta por una consola, un “Nintendo Zapper” , un R.O.B (Robotic Operating Buddy) , y un par de” gamepads” ó controles.

Si bien el R.O.B no tenía mucho uso, ayudo a despertar el interés por los videojuegos tras la crisis sufrida en 1983, cuando las ventas de videojuegos disminuyeron fuertemente debido a la sobresaturación del mercado. A su vez, el Nintendo Entertainment System llevo a los hogares nuevas experiencias en la industria del entretenimiento en casa, y revolucionó gracias a sus tecnológicos accesorios, entre los cuales se destaca el Power Glove . Cabe destacar que el NES revolucionó la industria de los videojuegos, y hasta hoy es considerado una de las consolas más importantes de la historia, y a su vez una de las más vendidas.

Game & Watch y Game Boy

Aprovechando el auge que presentaban las consolas durante los 80s, Nintendo presentó al mercado una serie de videojuegos portátiles bajo el nombre “Game & Watch”.
El Game & Watch revolucionó la industria de los videojuegos y gracias a su diseño y tecnología, logro llevar nuevas experiencias a sus usuarios, brindando la posibilidad de jugar en cualquier sitio. Game & Watch contaba con un juego precargado en la memoria interna del aparato, y en sus casi 10 años de producción, se llegaron a desarrollar un número aproximado de 59 juegos.

Se considera que el Game & Watch, fue el artefacto que le dio inicio al desarrollo del Game Boy pero a diferencia de esta, el Game Boy brindaba la posibilidad de jugar a numerosos títulos gracias a la utilización de diferentes cartuchos en los cuales se almacenaba la información del juego. La consola brindo nuevamente la posibilidad de utilizar la consola en cualquier sitio, y a su vez (a diferencia del Game & Watch), la posibilidad de cambiar los videojuegos como se veía anteriormente en el Famicom y el NES. Gracias a la astucia de su creador Gunpei Yokoi, Nintendo fue capaz de brindar al usuario una consola portátil con un consumo de batería por debajo de las que presentaba la competencia en el mercado, brindando más tiempo de juego.

El Super Nintendo y el Nintendo 64

Entre 1990 y 1992 Nintendo lanzo al mercado su segunda videoconsola llamada “Super Nintendo Entertainment System” (SNES). La consola llego a ser la más vendida de la cuarta generación de consolas (entre las cuales figuraba la Sega Mega Drive), constituyendo así un periodo importante en el desarrollo de los juegos, conocido como “la era de los 16 bits” . Además de traernos el famoso juego “Super Mario Bros” y un nuevo catalogo de juegos, la SNES brindó a sus usuarios mejores gráficas, color y sonido. Además, con el nuevo lanzamiento, el nuevo mando de control sumaba dos nuevos botones al clásico control de su antecesora (la NES) y una forma más ergonómica, proporcionando mejor agarre y mayor comodidad por medio de formas redondeadas.

Tras el éxito de la SNES, Nintendo lanzó en 1997 una nueva consola, esta vez de 64bits, destacando por la calidad de sus gráficas en 3d. Su mando con Stick analógico capaz de brindar al usuario un control total de 360 grados en todos los juegos, a su vez, se integro un total de 13 botones, brindando al usuario más acciones a la hora de jugar. La nueva consola brindaba la posibilidad de jugar hasta con cuatro mandos, para así poder disfrutar en grupo de la experiencia que brindaba la consola.

El rediseño del Game Boy

En 1998 Nintendo lanzó el nuevo Game Boy Color, esta vez, a diferencia de su antecesor, se integró color a la imagen . A su vez, se mejoró la velocidad y resolución.

En el 2001, Nintendo sacó el Game Boy Advance, éste brindaba al usuario un rediseño completo de la forma de la consola, además integraba un procesador más eficiente (32 bits) capaz de generar mejores graficas y sonido. Más adelante en el 2006, Nintendo sacaría al mercado un nuevo rediseño bajo el nombre Game Boy Micro, un dispositivo mucho más pequeño y liviano, constituyéndose en el más pequeño de todos los Game Boy.

Gamecube

Pequeño y de atractivo diseño ve el mercado a finales del 2001. Por primera vez Nintendo de los cartuchos como formato de almacenamiento y se crea un nuevo formato de almacenaje, un disco compacto (cd) con dimensiones mucho menores a las de un disco compacto convencional, pero con la capacidad de almacenar hasta 1.5 Gb . Además, se mejoraron las graficas gracias a la asociación creada junto a ATI, el cual desarrollo la tarjeta de video de la consola. Se diseña un nuevo control de mando, con formas más ergonómicas, reposicionamiento e integración de nuevos botones. Fue la primera capaz de brindar al usuario una plataforma de juego en red, mediante la integración de un accesorio que funcionaba como un modem.

Vuelven las consolas portátiles

En el 2003, sale al mercado el rediseño del Game Boy Advance, pero esta vez se disminuyen las dimensiones de éste, facilitando así su movilización, ya que su carcasa era plegable, reduciendo su tamaño (al estar cerrado) a la mitad. Esta unidad cuenta con luz de pantalla integrada.

En el 2005, se hizo el lanzamiento del exitoso Nintendo DS, que buscaba integrar dos pantallas (una de ellas táctil) y posibilidades de comunicación entre varias consolas mediante red inalámbrica. El diseño de la consola está fuertemente influenciado por el antiguo Game & Watch de los 80s. Revolucionó el modo de juego y posee un extenso catalogo de juegos. Hoy se posiciona en el puesto número uno en ventas de portátiles, y se encuentra en una pelea por el primer puesto en venta de consolas con el Playstation 2. Cabe destacar que gracias al éxito y la aceptación del público ante el DS, la empresa ha revisado y rediseñado en varias ocasiones la consola, como sucedió con la DSlite (más liviana), la DSi (que integra lector de SD, mejoras de audio, un menú organizador).

Se anuncio el 23 de marzo de 2010, el lanzamiento de una nueva Nintendo DS, bajo el nombre 3DS, la cual saldría a la venta en Japón en Febrero de 2011, integrando tecnología tridimensional, sin necesidad de utilizar gafas especializadas.

La revolución del Wii

Cabe destacar que el Wii es la primera consola que no incluye el nombre de la marca. La nueva consola, lanzada al mercado en el 2006, integra un control capaz de detectar el movimiento y rotación del usuario en un espacio de tres dimensiones, a su vez el mando integra vibración y un altavoz para darle más realismo a la hora de jugar. Gracias al WiiConnect24 la consola permite recibir mensajes y actualizaciones a través de internet.

Para finalizar

Todo indica que Nintendo nació para quedarse, y que sus consolas nos seguirán acompañando con el pasar de los años, siendo cada vez más realistas e impresionantes gracias a las experiencias que han sido capaces de crear desde la primera vez en que la marca se adentro en el mundo de las videoconsolas y el entretenimiento en casa, presentando diseños innovadores capaces de transportarnos a mundos imaginarios y adentrarnos cada vez más en los juegos de video, gracias al realismo conseguido.

Fuentes

http://www.guiasnintendo.com/index.php?option=com_wrapper&Itemid=235 , http://www.niubie.com/2010/01/los-mejores-momentos-en-la-historia-de-nintendo/ , http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_los_videojuegos , http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/VideoGamesSystemHistoryMural.jpg , http://en.wikipedia.org/wiki/Game_Over_%28book%29 , http://en.wikipedia.org/wiki/Game_Over_%28book%29 , http://www.mundovideogamers.com/la-historia-de-nintendo-12-el-poder-de-nintendo/, http://www.mundovideogamers.com/la-historia-de-nintendo-1-hanafuda/, http://usuarios.multimania.es/polbook1/Art%EDculos/Historia%20N1.htm, http://www.neoteo.com/feliz-25-anos-nintendo-nes.neo, http://culturacomic.com/2010/10/25/middle-age-freak-25-anos-de-nintendo/,http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1304601, http://www.taringa.net/posts/info/1765116/Crisis-de-los-videojuego-de-1983.html, http://8bits.blogspot.com/2007/03/historia-de-los-videojuegos-la-crisis.html, http://www.nintendo.es/NOE/es_ES/historia_de_las_consolas_de_nintendo_58.html, http://www.nintendo.es/NOE/es_ES/service/la_historia_de_nintendo_9911.html

Diseño y registro visual instantáneo. La evolución fotográfica en tres cámaras fotográficas

Javier Fonseca
Estudiante de Diseño Industrial, Escuela de Arquitectura y Diseño de América Latina y el Caribe, Isthmus, Panamá

Intro

Fig. 2

Una imagen dice más que mil palabras. Una fotografía es la imagen plasmada sobre el papel. Desde el inicio de la vida los seres humanos hemos sentido la necesidad de plasmar lo que vemos sobre alguna superficie, desde las paredes en las cuevas de la era paleolítica, hasta los métodos actuales con cámaras de alta tecnología.

Fig. 3

La primera cámara fotográfica como tal, fue la cámara oscura, ensamblada en Francia en el siglo XIX por el científico Nicéphore Niepce, utilizando una placa que necesitaba 8 horas de exposición en pleno día para poder grabar la imagen deseada. Tomar una foto con 8 horas de exposición no es nada fácil, ya que se necesita dejar la cámara totalmente quieta ya que si se movía, se perdía la foto. Esta cámara oscura solo se pudo usar para fotos de objetos o paisajes que no tenían gran cambio en ese gran lapso de tiempo, pues era imposible hacer un retrato de una persona.

Con la idea de lograr una mayor instantaneidad, hubo un auge en el desarrollo de la tecnología de la cámara fotográfica. Alrededor del mundo se empezaron a hacer estudios para lograr desarrollar diferentes tipos de revelado y de obturación, y así posicionarse como primeros en el mercado. Esto ha sido muy importante en el mundo del diseño ya que se logra representar un objeto en anuncios para su venta.

Primera cámara a la venta

Fig.4

La cámara Kodak, marca creada en el año 1888 por George Eastman y su gusto de niño por la letra “K”, fue la primera cámara fotográfica vendida para el público con el lema “Cualquiera puede usarla. Aprieta un botón y nosotros hacemos el resto”. Esta cámara era una pequeña caja para ese entonces compacta, que tenía un límite de 100 fotos guardadas en una cinta de acetato. Al ser completadas esas 100 tomas, la cámara tenia que ser regresada a la fábrica para hacer el revelado de las fotos y colocar una cinta nueva para 100 tomas más.

Fig.5

Esta cámara no tenía visor. Ésto fue una dificultad muy grande, pues la mayoría de las fotos no salían como el fotógrafo quería. En cuanto a la ergonomía de la cámara, se puede deducir que era casi nula. Su forma no sugería algún modo de usarla, dejando muchas cosas a la imaginación del usuario.

A pesar de su falta de diseño estético, esta cámara fue muy importante y tuvo buena aceptación en el mercado, ya que la gente obviaba tener algo cómodo por tener un objeto sumamente funcional y novedoso en ese entonces.

Primera cámara digital

Fig.6

En 1975 surge otra gran innovación de la marca Kodak, la Circa; la primera forma de ver una foto en formato digital. Esta era una cámara muy particular ya que parecía mas un proyecto en obra que una cámara de mercado. Constaba de elementos extraídos de otros objetos e integrados a la cámara tales como el lente Super 8 de película, un casete de cinta, 16 baterías de níquel y una serie integrada de circuitos digitales y análogos. Por este motivo, esta es considerada como el “Frankenstein” de la cámaras. Teniendo tantos elementos ajenos a un diseño propio, como resultado quedo una cámara con una forma muy extraña, así mismo como sus colores. Al igual que la primera cámara Kodak, esta era muy difícil de agarrar estando en una posición cómoda.

Fig.7

Esta cámara requería de una exposición de 23 segundos para poder plasmar la imagen en blanco y negro en la cinta del casete. Para poder ver la foto se tenía que colocar este casete en un decodificador de cinta que estuviera al mismo tiempo conectado a un televisor que reprodujera la imagen.

Polaroid: Sinónimo de instantaneidad

Fig.8

Edwin Land, creador de la corporación Polaroid, logró hacer un hit en el mercado ensamblando esta cámara fácil de usar, pues tenía la ventaja de poder obtener la imagen en físico en tan solo 1 minuto. Esto llamó la atención de todo el mundo, porque evitó el engorroso proceso del revelado, así como tener que esperar a terminar todo el rollo para ver la imagen obtenida. Con relación a las anteriores, ésta si ya tenia pensado un poco mas la ergonomía del producto como tal. Constaba de una cámara retráctil que salía manualmente al tomar una foto, para luego compactarse al terminar de usarla. Su cuerpo era de aluminio, aspecto que no la hacía tan pesada. Tenía también un tira de cuero a un costado para agarrarla. Todo ésto en función de su transportabilidad.

Conclusión

Fig.9.

La evolución de la cámara fotográfica avanza a una velocidad increíble, haciendo que el mercado de la fotografía se expanda, donde más y más personas se involucran con la fotografía. La tecnología de una cámara es superada por otra en un lapso menor de un año, lo que ocasiona que en el mercado haya una gran competitividad entre las diferentes casas fotográficas y en ciertas ocasiones, dejan obsoletas a otras cámaras.

Pienso que el diseñador industrial debe estar involucrado en esta rama, pues hacer una fotografía es hacer el registro de una composición de lo que uno ve. Muchos la consideran arte, en cierta parte es cierto, el diseñador tiene que tener un lado artístico.

El Abanico: objeto y tradición

Emy A. Chung Yap

Estudiante de Diseño Industrial de la Escuela de Arquitectura y Diseño de América Latina y el Caribe, Isthmus, Panamá.

emy.c.210@gmail.com

El Abanico es un instrumento para hacer o hacerse aire, que comúnmente tiene pié de varillas y país de tela, papel o piel, y se abre formando un semicírculo . Este es un objeto antiguo que fue evolucionando a través de las culturas, pasó de ser un abanico alto a un abanico plegable, como lo conocemos hoy.

El abanico relata la gran tradición y cultura que ha habido en toda la historia de la humanidad, partiendo desde el comienzo del hombre primitivo que utilizaba cualquier objeto para refrescarse. Después ese objeto llego a tener una materialidad; un mecanismo que fue desarrollado, diseñado, por un sujeto. Un reconocimiento o distinción por sus rasgos o características propias del objeto.

Este objeto se remonta a épocas antiguas. la historia menciona su aparición en la civilización egipcia alrededor del año 3000 a.C. , donde los abanicos o también conocidos como flabelos tenían un mango alto y en su parte superior se encontraba el país que era de plumas. La primera ilustración de este articulo muestra la manera en que los abanicos eran movidos por los sirvientes para refrescar al faraón y a la vez espantar los insectos.

Foto 1
Foto 2

En las citas literarias de diversos autores clásicos, se evidencian la presencia del abanico en: los griegos, etruscos y romanos. Todos ellos lo utilizaban para refrescarse, y a su vez este objeto era un requisito para realizar las ceremonias religiosas.

Foto 3

Los abanicos en China tienen una larga historia. Los descubrimientos arqueológicos revelan que aproximadamente hace 2,400 años ya existían en China abanicos hechos de pluma y bambúes. Estos tenían una forma redonda. También se utilizaban otros materiales como: sedas, papel, encajes, marfil, madera liviana, etc.

En la antigua China, detrás de los miembros de la familia imperial se colocaban unos abanicos grandes que simbolizan el poder y la posición social de los supremos.　Los abanicos gozaban de la especial preferencia de las mujeres, por permitirles cubrir los dientes al reírse o el rostro encendido por el rubor de la alegría o la vergüenza.

Los literatos, calígrafos y pintores de la antigua China, escribían y pintaban en los abanicos, convirtiendo este artículo de uso ordinario en un precioso tesoro artístico. Así, el abanico ha generado una especial tradición de gran importancia cultural. Los temas de las pinturas que aparecían en los abanicos generalmente eran de montañas verdes y fuentes frescas, grandes precipitaciones, frutas y verduras y hermosas figuras femeninas.　

Foto 4

En el siglo VII d.C., en Japón se inventa el abanico plegable , este fue muy usado y llegó a considerarse un elemento de ritual. Más adelante, en el siglo XVI introdujeron los abanicos plegables en Europa, los navegantes que venían de China; así los comerciantes portugueses e italianos hicieron del tráfico de mercancías una costumbre que luego pasó a América.

En Occidente se hizo popular rápidamente entre los nobles, la familia real y las mujeres. El abanico en aquellos tiempos era un objeto de lujo, símbolo de estatus social que se distinguía por el material en que estaban adornados, ya sea, con piedras preciosas, telas finas, metales preciosos. Era el complemento perfecto para un atuendo y a su vez el acompañante ideal para un evento social.

Las mujeres utilizaban mucho los abanicos para tapar sus expresiones, el uso de éstos permitió el desarrollo de un lenguaje propio, donde se combinaba la coquetería con la comunicación que se tenía con algún pretendiente.

Actualmente los abanicos son usados en algunos países subdesarrollados en el mundo cuyos climas son cálidos tropicales, para refrescarse (estudiantes de escuela lo fabrican de papel-uso más práctico, por las propiedades del material-para alivianar el ambiente caluroso).

Si algún día tiene la oportunidad de viajar no deje de visitar algunos museos dedicas al tema, en ellos podrá viajar por el tiempo y logrará imaginar que hace parte de alguna época o incluso vivir las escenas plasmadas como figuras en los abanicos.

The Fan Museum
• Inglaterra, Londres: 12 Crooms Hill,
Greenwich, Londres SE10 8ER
The Hand Fan Museum
• USA, California: 327A Healdsburg Avenue
Healdsburg, CA 95448
The British Museum
• Inglaterra, Londres: Great Russell Street, Londres, WC1B 3DG

*Propiedades del papel: Peso y elasticidad.

Partes del Abanico
Foto 5
1. Pais (tela del abanico).
2. Rivete.
3. Fuente.
4. Varilla. (El conjunto de todas las varillas forma el "varillaje").
5. Fuente. (Primer tramo de la varilla).
6. Guía. (Segundo tramo de la varilla, sobre el cual va pegado el pais).
7. Guarda (o cabera). Nombre que reciben la primera y última varilla del varillaje.
8. Boleta.
9. Ojo.
10. Guardapulgar.

Conclusión

Hoy este objeto ha quedado en el olvido, y ha perdido el valor que tenía antes. Esto puede ser producto de que en épocas antiguas el abanico era producido artesanalmente y para la confección se requería de cierta pericia, un manejo especializado en materiales para su confección.

En lo personal el abanico me parece un objeto muy bello, muy completo, y especial. Yendo más allá de lo funcional, practico, estético que componen a este instrumento; es el significado que este relata y el hecho de que en él se hacen expresiones artísticas me parece mágico, ya que a la hora de usar este instrumento uno percibe la brisa, que lleva consigo una historia ya sea pintada, escrita, dibujada, o cocida.

El abanico tiene un gran significado, como en el caso de mi familia y en otras familias chinas. En él se inscriben sucesos memorables o de importancia, como por ejemplo el lugar de donde proviene el apellido de la familia, es así como la historia del origen del apellido pasa de generación en generación.
Foto 6

Diseño y sincronía. Lámparas de mesa Art Déco y Bauhaus

-Foto 2: Rhododendron table light’ Galle



-Foto 1: Oiseau de feu table light, Lalique


Charlaine Thomas
Estudiante de Diseño Industrial, Escuela de Arquitectura y Diseño de América Latina y el Caribe, Isthmus, Panamá

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Introducción

En las primeras décadas del siglo XX existieron varios movimientos que influenciaron la arquitectura y el diseño. En los años 20 y 30 surgieron el Art Déco y la Bauhaus que experimentaron con materiales y formas hasta llegar a sus propios principios y estilos . Sin embargo, manteniendo algunas similitudes ya que fueron contemporáneos. Esto se puede ver a través de las lámparas de mesa, las formas vegetales del Déco y la funcionalidad del Bauhaus.

El Art Déco inicio como un movimiento de diseño popular en 1920 hasta 1939, sin embargo influenció el ámbito del diseño hasta la década de los 50s. Esta forma expresiva se enfocó en desarrollar formas geométricas y utilizando abstracciones que se muestran en la naturaleza. La escuela de la Bauhaus (Diseño, Arte y Arquitectura) fue fundada en 1919 por Walter Gropius, y cerrada en el año 1933 por las autoridades prusianas, en manos del partido Nazi. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como Diseño Industrial y Diseño Gráfico. Cada movimiento implementó sus características en los objetos; por ejemplo, las lámparas de mesa del Art Déco son ornamentales y las Bauhaus más racionales.

Art Déco

El Art Déco influenció la arquitectura, el diseño industrial y el diseño grafico. En 1900 en París se hizo la Exposición Universal en donde varios artistas franceses formaron un colectivo llamado La Vanguardia. En 1925 organizaron ‘La Exposición Internacional de Artes Decorativas’ . Estos artistas se llamaban a sí mismos: “Los Modernos” que fueron conmemorados en la retrospectiva titulada ‘Les Annes 25’ llevada a cabo en París en el ‘Musèe des Arts Décoratif’. Ellos se caracterizaban por la profusión ornamental, y el lujo de los materiales y el frecuente recurso a motivos geométricos y vegetales. Utilizaban materiales naturales, metales, vidrio y la concha de nácar. También les gustaba jugar con la transparencia de los objetos, por ejemplo en las pantallas de sus lámparas. Finalmente, en 1966, fue cuando nació el nombre Art Déco, para poder nombrar a este grupo de artistas y estilo.

De esta época surgieron muchos diseñadores como Emile Gallè, Rene Lalique, Edgar Brandt & Daum Frères, Wilhem Wagenfeld & Carl Jakob Jucke y Poul Henningsen, entre otros. Ellos diseñaron lámparas muy características del Art Déco. Por ejemplo, la ‘Oiseau de feu table light’ de Rene Lalique que está llena de detalles engravados en vidrio, con un ave y motivos naturales. También se utilizaba mucho el proceso de vidrio camafeo, para poder jugar con la transparencia de la luz. Esto se puede apreciar en la lámpara de Gallè, ‘Rhododendron table light’ . La base en vidrio soplado y opaco, luego con detalles florales encima.

Bauhaus

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa, principalmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico. Aparte de ser muy funcionales, utilizaban materiales resistentes y lisos: metales y vidrios. La Bauhaus tuvo 3 etapas en las cuales cambia de ideales, la primera de 1919-1923, era idealista y romántica, recoger conocimiento existente para construir y satisface a la masa. La segunda de 1923-1925 fue más racionalista y funcional, por ultimo de 1925-1929 cambio la orientación del programa académico, se mudo de Weimar a Dessau. A través de estos cambios podemos ver como evoluciono la Bauhaus.

Aunque la Bauhaus fue dirigida por arquitectos, inicio lo que hoy conocemos como Diseño Industrial y Gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían. Sin duda establecieron las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura moderna, y nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana. La Bauhaus se destacó en el diseño de mobiliario, principalmente sillas y mesas. La presencia de lámparas no fue grande, Walter Gropius, diseño su estudio y todo lo que contenía. Aquí podemos ver unos de los primeros modelos de iluminación Bauhaus, con líneas rectas, suspendido en el aire, principalmente funcional.



Foto 3: Oficina Walter Gropius



Foto 4: Gerrit Rietveld, ‘Tecta’

Discusión comparativa/simultaneidad

Gerrit Rietveld en 1922, diseño una lámpara ‘Tecta’, con líneas recta y tendida del techo, que pudiera ser una abstracción de la diseñada por Gropius . Las mujeres también dejaron su legado en la Bauhaus. Marianne Brandt fue la encargada del taller de metales, diseño una lámpara con Hans Pryrember en 1926, ‘Hanging Lamp with Pulley’ utilizaba el proceso de niquelado para obtener su brillo característico. Más adelante diseño una lámpara ella sola, ‘Kandem Bedside Table Lamp’ en 1928 . Se puede ver como la forma de ambas lámparas son similares, una media cúpula en acero y un brazo. Este tipo de diseño empezó a surgir mucho en esta época, utilizando distintos y nuevos procesos productivos con los metales.



Foto 5: ‘Kandem Bedside Table Lamp’ ,1928



Foto6: ‘Hanging Lamp with Pulley’,1926

En la Bauhaus el uso de metales en lámparas fue muy notable. Este material es resistente y fácil de manejar, les permitía hacer las formas que querían. La tendencia en el diseño de iluminación de la Bauhaus era racional, en comparación con el Art Déco que su motivo principal era decorativo. Estos movimientos se produjeron de manera simultánea tanto en Francia como en Alemania, permitiendo que en cada lugar surgiera un estilo propio, distinto. El Bauhaus diseñaba para complacer a las grandes masas. Diseños sencillos y funcionales, existieron varios diseñadores que fueron influenciados por ambos movimientos. Poul Hennigsen, por ejemplo, en su gama PH tiene diseños que pudieran verse influenciados por ambos . Tiene algunos con formas rectas y sencillas, sin embargo hay algunas con líneas curvas vegetales y más detalle. Las lámparas del Arte Déco se enfocaban más en su estética que en su función. Utilizaban materiales más exóticos como el vidrio soplado y la concha de nacar en donde podían gravar motivos florales. Le Corbusier, empezó formando parte del Art Déco hasta evolucionar al modernismo que en parte era influenciado por la funcionalidad del Bauhaus. Esto lo podemos ver en su diseño de la ‘Chaise Lounge’.




Foto 7: Chaise Lounge, Le Corbusier


Fuentes de información
Charlotte and Peter Fiel, Design of the 20th century ,TASCHEN
Charlotte and Peter Fiel, 1000 Lights, Hong Kong, TASCHEN, 2006, pg. 117 (Art Deco) pg. 179 (Bauhaus)
Michael Monniger, Lights, Alemania, TASCHEN
Rosalia Torrent y Joan M.. Marin, Historia del Diseño Industrial, Ediciones Catedra, Madrid, 2005, pg. 225
Ulrike Muller, Bauhaus Women, Flammarion, S.A, Paris 2009, pg. 119-122
Pioneers, Phaidon.

Sitios de internet: http://www.google.es/imgres?imgurl=http://www.bauhaus20-21.com/photos/go1.JPG&imgrefurl=http://www.bauhaus20-21.com/photos/go1.html&usg=__VwNo8JqMh69tgpGISqRHFP4IKGM=&h=362&w=241&sz=88&hl=es&start=0&zoom=1&tbnid=AGeSCxoM-v1znM:&tbnh=143&tbnw=95&prev=/images%3Fq%3Dgropius%2Boffice%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26rlz%3D1T4ADFA_esPA407PA409%26biw%3D1259%26bih%3D548%26tbs%3Disch:1&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=275&vpy=39&dur=610&hovh=275&hovw=183&tx=105&ty=132&ei=PJQHTaqvHs6s8Ab048Av&oei=PJQHTaqvHs6s8Ab048Av&esq=1&page=1&ndsp=19&ved=1t:429,r:1,s:0

Un encuentro con el Diseño de Moda Chanel, Balenciaga, Dior, Balmain, Saint Laurent, Westwood y Miyake

Katherine Tarazi B.

Estudiante de Diseño Industrial, Escuela de Arquitectura y Diseño de América Latina y El Caribe Isthmus, Panamá.

Kathytarazi@isthmus.edu.pa

“La moda no es algo que existe solo en los vestidos. La moda está en el cielo, en las calles, moda tiene que ver con ideas, la forma en que vivimos, lo que está pasando.” – Coco Chanel.

La moda, como la conocemos hoy, es lo que nos influencia nuestra forma de vestir, hablar, caminar, entretenernos, entre otras cosas. La moda es lo que nos impulsa a realizar o no las cosas, la moda domina nuestra forma de vivir. La moda es una imposición en nuestras vidas, aunque lo reconozcamos o no todos vivimos bajo un régimen dictado por la popularidad, la moda y la sociedad.

Esta moda con la que nos regimos hoy en día y con la que nuestros padres se regían en sus días, ha cambiado y seguirá cambiando a través del tiempo. La moda es algo que está constantemente en cambio, lo que un día es lo mejor al día siguiente puede no serlo. Y seguramente al pasar de los años lo que nadie quería usar en algún momento, se vuelve lo que todos anhelan tener.

La moda no se impone sola, por el contrario siempre hay esas figuras emprendedoras las cuales crean e imponen nuevas formas de vestir, pensar y actuar sobre la sociedad.

En este artículo veremos algunas de estas figuras que fueron muy influyentes en la forma de vestir como Coco Chanel, Cristóbal Balenciaga, Pierre Balmain, Christian Dior, Yves Saint Laurent, entre otros. Cada figura que se va a mencionar aquí ha dado grandes aportes a la moda, y ha ayudado que esta evolucione a lo que es hoy.


Diseñadores de Moda

Gabrielle Bonheur “Coco” Chanel

Uno de los grandes cambios de la moda fue la eliminación del corsé gracias a Coco Chanel. En una época donde dominaba el corsé y los vestidos, ella revolucionó la vestimenta de la mujer al ignorar las influencias de la sociedad y seguir sus instintos . Chanel llamaba la atención con su forma de vestir tan diferente de las otras mujeres, a tal punto que llegaba a ser rechazada por ciertas personas. Mientras que la sociedad vestía trajes, ella iba con pantalones, si usaban corsé ella se negaba a usarlo lo cual le era incomodo. Llamaba la atención de todos, por la diferenciación y las suaves líneas que creaba el vestido sin tener corsé. Chanel creó lo que se conoce como el “Little Black Dress” o el vestido negro casual que se ha convertido en un artículo que toda mujer debe tener en su guardarropa. Ella introdujo una nueva forma de vestir al mundo, donde la comodidad predominaba sobre la belleza sin dejar esta última a un lado. Hasta hoy la empresa que creó es una de las marcas de moda más importantes en el mercado, donde se sigue utilizando su filosofía.
Foto 1- “Little Black Dress” de Chanel

Cristóbal Balenciaga

Otra figura que influenció mucho al mundo de la moda fue Cristóbal Balenciaga. Desde pequeño, e influenciado por su madre se introdujo en este mundo. Balenciaga se hizo famoso en los tempranos años de su carrera en España, tanto así que vestía a la realeza . La ropa que vendía en su primera tienda, en España, era influenciada por la moda francesa pero adaptada para las mujeres españolas. No fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial, que se apreció la gran imaginación e inventiva que este hombre tenía. Él transformó la silueta totalmente, por medio de su filosofía; “Un modista debe ser un arquitecto para el diseño, un escultor para la forma, un pintor para el color, un músico para la harmonía y un filósofo para la templanza”. Balenciaga en 1945 se apegaba a la ropa pegada a la cintura y los hombros cuadrados, que era cercano la moda del momento. Pero en el año 1951 agrando los hombros, abrió el cuello y quitó la cintura haciendo un estilo totalmente diferente a lo demás. Diseñó el vestido de túnica el cual lo llevó a un vestido de camisa. Su trabajo culminó en la línea imperio con vestidos de cintura alta y abrigos inspirados en los kimonos japoneses. Balenciaga fue maestro e inspiración de muchos diseñadores que han dejado su legado hasta hoy en día como lo son Givenchy, Oscar de la Renta, Gucci, entre otros.

Foto 2 – Primeros vestidos de Balenciaga

Christian Dior

Luego está Christian Dior, el cual como Balenciaga vio su puesto en la moda desde pequeño . Yendo contra los deseos de sus padres, los cuales deseaban que se convirtiera en diplomático, Dior persiguió su sueño yendo tras el mundo de la moda. Empezó vendiendo sus bocetos en las afueras de su casa a tan solo diez centavos y llegó a crear una de las marcas más dominantes de la actualidad. En época de guerra, donde la mayoría de los diseñadores cerraron sus tiendas, Dior vio una oportunidad; él vestía a las esposas de los oficiales nazis y colaboradores franceses. Dior fue un maestro creando formas y siluetas, su estilo utilizaba corpiños estilo bustier, rellenos en la cadera, corsés apretados en la cintura y enaguas debajo de sus vestidos dándoles una apertura desde la cintura creando formas más curvilíneas. Dior impactó a la sociedad al usar tanta tela en un solo vestido ya que las personas estaban acostumbradas a ahorrar tela por la escasez que provocó la guerra. Al alejarse de estas costumbres y de las críticas, Dior pudo crear su “nuevo look” el cual revolucionó el vestido de la mujer y restableció a Paris como el núcleo en el mundo de la moda.

Foto 3 – El “Nuevo Look” de Dior

Pierre Balmain

Pierre Balmain fue un diseñador francés que aunque no es tan renombrado como la mayoría de los mencionados aquí tuvo grandes aportes a la moda. Es de la misma época que Dior, de hecho estuvieron juntos trabajando con la marca Lucien Lelong .
Al ser arquitecto, Balmain tenía un punto de vista diferente, él decía que “el hacer vestidos es la arquitectura del movimiento”. En 1945 después de la guerra, él abrió su propia tienda y creó su marca. Allí popularizó la estola como un accesorio para el día al igual que para la noche y los vestidos pegados debajo de chaquetas, trayendo así lo que hoy conocemos como capas de ropa. Su habilidad en el mundo del diseño recaía en crear trajes hechos a la medida y vestidos de noche de cola, los cuales seguían la misma estética de líneas esbeltas y elegantes. Él, al igual que los demás diseñadores citados aquí, dejó su legado creando una marca con su nombre la cual se sigue comercializando.

Foto 4 - Vestido Balmain de noche con estola

Yves Saint Laurent

Otro gran personaje fue Yves Saint Laurent, el cual es considerado uno de los nombres más grandes de la moda francesa en el siglo XX . Saint Laurent empezó a perseguir una carrera en el mundo de la moda apenas se graduó del bachillerato. Él fue contratado para trabajar para la marca Dior, ya que tenía un sentido de la moda muy parecido al de este. Aunque inició con trabajos en las bodegas llegó a tener muchos de sus diseños en las pasarelas de Dior. Al morir, Dior, escogió a Laurent como su sucesor. Laurent logró salvar a la compañía de la bancarrota con su colección del 58 la cual era una versión más suave del “nuevo look de Dior”. Esto lo llevo a la fama internacional, a través del vestido que pronto sería conocido como “el vestido trapecio”, el cual es particular de tener hombros estrechos y una falda ligeramente acampanada. En 1962 Saint Laurent creó su propia marca en la cual trabajó junto a la industrialista Pierre Bergé. Esta marca popularizó varias tendencias de la moda como el aspecto beatnik, chaquetas de safari para hombres y mujeres, pantalones ajustados y botas altas hasta los muslos, incluyendo la creación de posiblemente el más famoso traje esmoquin clásico para las mujeres en 1966, el traje “Le Smoking”. Saint Laurent también trajo la moda retro al introducir elementos de las modas de los años 20, 30 y 40, al igual que introdujo las diferentes culturas al mundo de la moda. Otro gran logró fue la línea de ropa pret-a-porter (lista para usar) la cual es utilizada hasta hoy en día por la mayoría de los diseñadores. Laurent fue el primero en lanzar esta clase de vestimenta, la cual le daba más ingresos que el haute couture (ropa hecha a la medida) que era lo que la mayoría, sino todos, los diseñadores de esa época solían hacer. Gracias a sus grandes aportes Yves Saint Laurent fue el primer diseñador de moda vivo en ser honrado por el Museo Metropolitano de Arte, solo, en una exhibición.

Foto 5 - Vestido estilo africano

Vivienne Westwood

Vivienne Westwood fue responsable por traer la música punk y new wave al mundo de la moda . Después de haberse graduado de maestra y de haberse casado, conoció al hombre que iba a impulsar su carrera como diseñadora y a la vez destruir su matrimonio. Este hombre fue Malcolm McLaren, el cual se convirtió en su segundo esposo. McLaren abrió una tienda en Londres donde dejaba que Westwood vendiera sus diseños extravagantes y extraños, inspirados en ciclistas fetichistas y prostitutas. McLaren se convirtió en el gerente de la banda “Sex Pistols” los cuales capturaron la atención al vestir la ropa de Westwood.

El estilo punk que creó Westwood consistía en objetos para amarrarse, como esposas y cremalleras, alfileres de gancho, hojas de afeitar, cadenas en la ropa, ya sean de bicicletas o del baño y collares de pinchos de perro como joyería, así como cabello y maquillaje extravagantes. Westwood y McLaren revolucionaron el mundo de la moda a tal punto que se siente actualmente. Su colección del 2005/06 fue inspirada desde su archivo, reinterpretando diseños y usando la técnica exclusiva de tejido de Woolford. Como vemos, sus creaciones van desde lo punk hasta glamorosos vestidos de noche. Aunque pueden parecer dos extremos, Westwood siempre impone su estilo en cada una de sus piezas.

Foto 6 - Camisa diseñada por Westwood y Mclaren

Issey Miyake

Un diseñador ya más actual es Issey Miyake que es reconocido gracias a su ropa impulsada por la tecnología . Miyake estudió diseño gráfico en Tokyo, donde se graduó, luego trabajó en Paris y en Nueva York antes de regresar a Japón y crear su propia marca. A Miyake siempre le gusto experimentar y encontrar cosas nuevas, por ello él trato de encontrar una nueva forma de plisar la ropa, de modo que permitiera flexibilidad en el movimiento para el usuario al igual que fácil cuidado y producción. Eventualmente resultó en una nueva técnica de plisado para prendas de vestir llamada “Pleats Please”, donde la prenda es cortada y cosida inicialmente, luego puestas entre capas de papel, y llevadas a una plancha donde son plisadas. La “memoria” de la tela recuerda los plisados y cuando la prenda es liberada del capullo de papel, esta está lista para ser usada. Miyake le gusta integrar la tecnología a la moda y así como hizo con esta técnica, seguramente va a sacar nuevas cosas y seguirá revolucionando este mundo de la moda donde todo es posible.

Foto 7 – Empaque de la nueva tecnología “Pleats Please” de Miyake

Conclusión

En este texto mencionamos a siete grandes diseñadores los cuales influenciaron inmensamente en el mundo de la moda, cada uno de una manera totalmente diferente y si nos fijamos podemos ver cómo ha cambiado radicalmente la moda a través del tiempo. Antes de Chanel, que es la primera de todos cronológicamente, se utilizaban corsés y todos los vestidos eran iguales en la forma. Luego la forma empezó a cambiar y los diseñadores empezaron a jugar con la silueta de la mujer creando cosas totalmente diferentes e innovadoras.

Chanel erradicó el corsé, e hizo vestidos sueltos pero pegados creando el “Little black dress”, Balenciaga buscó crear formas más sueltas creando la línea imperio y los vestidos de túnica. Luego Dior revolucionó con su “nuevo look”, con los corpiños estilo bustier y faldas anchas, Balmain popularizó la estola y las chaquetas encima de vestidos, popularizando en parte el estilo de las capas que se usa hasta hoy. Saint Laurent introdujo lo que es el pret-a-porter, las botas altas y mucha de la moda de los 60, Westwood trajo consigo en los 70 la moda punk inspirada en ciclistas, fetichistas y prostitutas y finalmente Miyake introdujo la tecnología al mundo de la moda creando interesantes resultados.

Aquí podemos observar parte de la historia de la moda a través de los aportes de estas grandes figuras. Podemos ver que no siempre ir contra la corriente es malo, uno puede llegar a grandes cosas con tan solo seguir su propio instinto como lo hicieron la mayoría de estos diseñadores, como lo hace la mayoría de las personas famosas en las diferentes áreas y como deberían de hacer los diseñadores industriales porque cuando uno sigue su instinto puede llegar a grandes lugares. Lugares que uno no ni se imagina.

Menciono al Diseñador Industrial porque el diseño de moda puede considerarse como una rama del industrial, ya que al diseñar las prendas también se piensa en los procesos de fabricación para la producción en masa. El mundo industrial esta inmensamente influenciado por el diseño de moda, gracias a que éste es una de las ramas más populares del diseño. La moda cambia constantemente e impone nuevas tendencias a través de las prendas, las cuales afectan a los usuarios y por ende a los demás diseñadores.

Óptica López. Oscar López Fábrega y los frutos de su empeño

Miguel Arango

Estudiante de Diseño Industrial en la Escuela de Arquitectura y Diseño de Amèrica Latina y el Caribe, Isthmus, Panamá

X22callblue@gmail.com


“Da gracias a Dios por los problemas que te ofrece tu trabajo, pues seguramente, de ellos proviene la mitad de tu sueldo y tu actual bienestar”. Oscar López Fábrega


Introducción

Panamá es un país eminentemente comercial. Durante el siglo XX, por su posición geográfica Panamá se caracterizó por ser un lugar ideal para levantar un negocio estable. Todo esto se da gracias al Canal de Panamá. Pasan un estimado de 6 a 8 barcos por día de diferente partes del mundo, lo cual nos obliga a convivir con distintas culturas y nos ayuda a comprender mas los diferentes tipos de vida.

Personas como Oscar López Fábrega, dieron un paso adelante, iniciando en 1948 su primera empresa de Óptica López ubicada en el Casco Viejo y con esta importando conocimiento médico y máquinas para la producción de lentes dentro del país. A continuación haremos una breve historia de Oscar López Fábrega y el nacimiento de Óptica López.


Contexto Histórico

A finales de 1935 y en la década de 1940 varios países del mundo vivieron tiempos de guerra. Los Estados Unidos gobernaban la Zona del Canal de Panamá y la protección del Canal era de primordial importancia. Se utilizaron distintos tipos de protección, como globos grandes que flotaban en el aire, amarrados a cuerdas de acero por encima del Canal y cuya idea era proteger la zona por si ocurría un ataque aéreo nocturno, de esta manera los aviones encontrabas obstáculos de alambre de acero.

Las calles de la Zona se modificaron con erosiones en la superficie. En las noches los camiones no prendían sus luces sino que se guiaban por el sonido de las llantas con el piso. Los camiones tenían cintas reflectivas pegadas para ser reconocidos. Lo anterior se daba dentro de la Zona de Canal, éste era el punto principal donde buscaban atacar. La idea era que el Canal pasara desapercibido en las noches .

A continuación mencionaremos algunos aspectos curiosos de la vida general de esa época en la ciudad de Panamá y en el área del Canal.

Las personas se transportaban por medio de chivas, y los asientos estaban colocados verticalmente. Había pocos automóviles, y se manejaba del lado izquierdo de la calle. Los vehículos tenían placa de Panamá, y placa de la Zona del canal, como si fueran dos países distintos.

Las personas solicitaban trabajo en el “Central Labor Office”. El proceso se hacía de una manera muy parecida al reclutamiento de soldados. El racismo imperaba. El negro no podía entrar al baño de los blancos, no podía beber agua de la misma fuente donde los blancos bebían. La ciudad estaba dividida en “Gold Roll” que era el sistema de pago de los blancos, y el “Silver Roll” que era el sistema de pago de los negros. En los autobuses los negros tenían que sentarse en los asientos de atrás, mientras que los blancos se sentaban en los asientos de adelante .

Un ejemplo curioso de la diferencia de la vida en 1940 es que una acción en el Club Unión de Panamá tenía el costo de 1,000 balboas. Hoy en día una acción tiene el costo de 50,000 balboas.


Oscar López Fábrega

(Foto 1)

El Señor López Fábrega nació el 8 de septiembre de 1921 en la ciudad de Panamá e
inició sus estudios en 1926 en El Colegio de la Salle y se gradúo en 1939. Consiguió su primer trabajo en el taller de mecánica de su tío Adolfo Fábrega donde trabajó durante algunos meses para obtener experiencia laboral y unos meses después solicitó y obtuvo trabajo en la Zona del Canal. Inicialmente manejó un camión de volquete en el fuerte Kobe, luego trabajó llevando materiales a las construcciones que se realizaban en el fuerte Clayton en turnos rotativos de 8 horas de trabajo diario. Todo esto durante la guerra, que terminó en 1945.

Oscar López Fábrega viajó a Cuba en 1941 y se matriculó en la Escuela de Optometría de La Universidad de la Habana. Durante sus estudios, viajó a Miami y consiguió su primera caja de pruebas de lentes de segunda mano. Esta caja de pruebas contenía lentes positivos, negativos y cilíndricos, que con la técnica aprendida en Cuba determinaba la receta del paciente para así poder confeccionar los anteojos. La carrera de optometría duró 4 años.

En 1946 López Fábrega regresó a Panamá graduado de Optometrista. Quizá probablemente el primer panameño en obtenerlo. Obtuvo trabajo en el Ministerio de Salud, atendiendo pacientes. En esa época solo existía la Óptica Scadron, situada cerca de la Plaza de la Catedral, en el Casco Viejo de la ciudad de Panamá. Durante sus primeros viajes a los Estados Unidos, Oscar López hizo contactos comerciales para la importación de lentes, molduras y materiales.

(Foto 2)
En 1948 abrió la primera sede de Óptica López en la Avenida B del Casco Viejo, todo esto gracias a su madre y a su tía que financiaron el préstamo. Alquiló tres cuartos para la empresa, uno estaba destinado a la recepción, allí se tomaban los datos personales del paciente; otro era el cuarto de examen donde extendía la receta del paciente, y finalmente el cuarto de fabricación donde se le daba la receta de los lentes. Había lentes terminados y listos para cortarlos con la forma de la montura, y lentes que venían sin receta, a los cuales tenía que hacérsele la receta manualmente en el cuarto de fabricación.

En 1950 su amigo Antonio Amado le ofreció un espacio en el Centro Médico para especialistas que quedaba en la Avenida Cuba con Calle 30-31. Oscar López aceptó y decidió mudarse de Avenida B en el Casco Viejo, para el centro médico. Durante su estancia en esta institución, consiguió un equipo de fabricación de lentes semi-terminados. Este equipo completaba la receta trabajándolo por la cara posterior para hacer las recetas más exactas.

Oscar López Fábrega trabajaba de 8 de la mañana hasta el medio día, almorzaba y luego en jornada vespertina, de 2 a 6 de la tarde. Luego de concluir su jornada vespertina se dirigía al garaje de la casa de su madre donde tenía el equipo de fabricación, el cual le permitía realizar los lentes durante la noche. Solo con estas largas horas de trabajo podía cumplirle al día siguiente a sus clientes.

A mediados de 1951 Oscar López se mudó del Centro Médico para especialistas, hacia la Avenida Perú y calle 31. Con la ayuda del Arquitecto Edwin Fábrega, adaptó el espacio del local, para utilizarlo como el nuevo establecimiento de la Óptica López. El local era de dos pisos. La recepción en el primer piso. Siguiendo el pasillo la primera puerta, a mano izquierda se encontraba el cuarto de examen; continuando por el pasillo, la siguiente puerta a la izquierda daba acceso al laboratorio. Al final del pasillo estaban las escaleras que te llevaban al segundo piso donde estaba el depósito de lentes.
(Foto 4)

Oscar López, trabajó con gran dedicación en crear su Óptica López, hoy el negocio familiar cuenta con ocho sedes en la República de Panamá.

• Calle 31 y Avenida Perú
• Centro comercial Plaza Paitilla
• Dorado Plaza Colonial
• Plaza Conquistador, local 18
• Plaza Tocumen
• Albrook mall
• Albrook terminal
• David- Chiriquí.


Conclusión

Durante estas dos semanas de investigación fue posible entrevista personalmente al Señor Oscar López Fábrega, su forma de contar la historia refleja una mente lúcida, guiada por una mente positiva. Oscar López Fábrega es ejemplo de la tenacidad panameña.

Oscar López Fábrega tiene hoy (año 2010): 5 hijos, 18 nietos, y 7 bisnietos. Cuatro de sus hijos y una de sus nietas trabajan actualmente en su empresa. Estamos seguros de que es una persona feliz.


Cronología de la maquinaria empleada en la Óptica López
(Foto 3)
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